Kutxa Fundazioa presenta la programación de sus dos salas de exposiciones, la sala Kubo Kutxa, cuya programación está centrada en las artes plásticas, con la intención de acercar al público el trabajo de creadores consagrados, y Kutxa Kultur Artegunea, orientada a exponer proyectos fotográficos.
Kubo Kutxa inaugurará el 2022 con una gran retrospectiva al pintor José Antonio Sistiaga, uno de los más importantes artistas vivos en el País Vasco. Integrante del mítico Grupo Gaur, su carrera artística siempre ha tenido un cariz muy personal, donde el color y la libertad del gesto siempre han sido muy patentes. Esta antológica, además de constituir una revisión imprescindible de la obra de Sistiaga, persigue el objetivo fundamental de dar visibilidad y poner en valor la obra y trayectoria de grandes artistas guipuzcoanos, objetivo principal de Kutxa Fundazioa.
Tras esta retrospectiva, Kubo Kutxa presentará la exposición dedicada al artista Javier Pérez, quien inundará la sala con una serie de obras que juegan con el espacio, la nostalgia, las presencias y las ausencias. Para acabar el año se podrá disfrutar de una muestra sobre Soledad Sevilla, galardonada con el Premio Velázquez en el año 2020.
La programación de 2022 en Kutxa Kultur Artegunea dará comienzo con la exposición Nostos de Unai San Martín, artista que se puede considerar un maestro del heliograbado, que combina su desarrollo profesional con una intensa labor docente en todo el mundo. Su obra resulta onírica y atemporal, tanto por su austeridad como por la calidad de sus heliograbados.
En verano, e incidiendo en la línea expositiva que pretende recuperar y visibilizar la obra de mujeres fotógrafas cuya calidad y contribución a la historia de la fotografía ha sido reseñable, se exhibirá la obra de la fotógrafa estadounidense Ruth Orkin, quien supo retratar la sociedad americana de la segunda mitad del siglo XX.
Para concluir la programación, Artegunea quiere acercar algunas de las prácticas más interesante, del panorama de la fotografía contemporánea en Asia. Sin ninguna intención enciclopédica, la exposición quiere acercarse a una serie de artistas con una sensibilidad especial para representar la realidad que les rodea.
Con más detalle:
JOSÉ ANTONIO SISTIAGA. De rerum natura Comisario: Jean-Michel Bouhours Del 28 de enero al 22 de mayo de 2022
La obra de José Antonio Sistiaga (1932, Donostia / San Sebastián) se ha mostrado en distintas exposiciones individuales o colectivas. Su obra es extensa y variada y es bien conocida su aportación a la historia del arte vasco contemporáneo (pintura, dibujo, cine), y no se agota fácilmente. Su figura es clave por su implicación en el movimiento de renovación de las formas artísticas del País Vasco, que desembocarán en la creación del grupo GAUR en 1965. La intención de esta exposición no es, por tanto, revelar esta naturaleza polimorfa de la obra de Sistiaga, ni el anclaje del artista en el contexto vasco de los años 1960-70.
De rerum natura, el título de la exposición, revela la verdadera intención de esta muestra. Es en realidad el título de una obra del poeta romano Lucrecio (s.I a.C.), que rechazaba la existencia de la divinidad y defendía que en el universo no hay otra cosa que materia, y que es infinito. Así, a través de más de 100 piezas se trata de mostrar la permanencia de la preocupación de José Antonio Sistiaga por la naturaleza, con la que mantiene un vínculo romántico, inspirado en su belleza y en su fuerza. Busca ir más allá de la pura percepción visual del mundo para traer el medio pictórico, al dibujo o al cine, la inestabilidad y el devenir de lo que nos rodea, y que nuestros sentidos perciben en grado diverso.
JAVIER PÉREZ. Presencias – Ausencias Comisario: Alfonso de la Torre Del 10 de junio al 25 de septiembre de 2022
El cuerpo siempre ha sido el eje vertebrador de la obra de Javier Pérez (Bilbao, 1968), y en esta exposición el cuerpo se hace muy presente a través de su ausencia, de ahí el título de la muestra. A lo largo de su trayectoria, Javier Pérez ha ido elaborando su propio lenguaje, cargado de metáforas y simbolismo, y construyendo un universo de imágenes con las que revela sus reflexiones sobre la condición humana y, la inestabilidad y brevedad de su existencia.
Su trabajo se caracteriza por la variedad de materiales y medios utilizados —escultura, instalación, dibujo, etc.— siempre para crear espacios habitables y transitables, espacios oníricos que desencadenan experiencias.
La carrera de Javier Pérez ha tenido una gran repercusión tanto a nivel nacional como internacionalmente, en 2001 participó en la XLIX Bienal de Venecia y en 2004 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presentó en el Palacio de Cristal, su exposición Mutaciones. Su obra forma parte de importantes colecciones como las del Centro George Pompidou (París), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Museo Guggenheim Bilbao, Fonds National d’Art Contemporain (Francia); ARTIUM (VitoriaGasteiz), entre muchas otras.
SOLEDAD SEVILLA Comisaria: Lola Durán Úcar Del 21 de octubre-febrero 2023
Soledad Sevilla (Valencia, 1944) es una de las artistas más reconocidas del panorama artístico contemporáneo español. Recientemente, ha sido galardonada con el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2020) y nombrada Doctora Honoris Causa por la Universidad de Granada (2020). En 1993 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.
Su trabajo se desarrolla en torno a una reflexión sobre el espacio, la luz y el color. Sus obras son el resultado de una búsqueda interior, entre emociones ocultas o contenidas, que da lugar a pinturas e instalaciones de gran profundidad emocional. En el proceso creativo encuentra un importante apoyo en la poesía, como disciplina estrechamente ligada a la pintura.
Para Soledad Sevilla «la gran lucha es traducir el sentimiento en un objeto». La inmersión en esta experiencia sensorial aparece unida con frecuencia a la geometría, que ocupa un lugar preferente en su obra.
La exposición ha sido concebida específicamente por Soledad Sevilla para la sala Kubo Kutxa, inspirándose en las sugerencias del espacio en la que va a ser instalada. Un conjunto de pinturas e instalaciones en las que juega con el espacio y el tiempo, lo poético y lo fugaz. Una propuesta con la que la artista nos invita a explorar los límites de la creación artística.
UNAI SAN MARTÍN. Nostos. Comisaria: María Millán Del 4 de marzo al 19 de junio de 2022
Unai San Martín (Eibar 1964), nos invita a abstraernos con afable mirada en imágenes de paisajes, detalles urbanos y objetos sin detenernos en el dato físico de su ubicación, o las posibles historias que encierran. La sencilla y, a la vez, rotunda belleza de las imágenes retiene nuestra atención y nos hace viajar y conectar con esos sentimientos y sensaciones personales que forman el recorrido biográfico de cada uno. En tiempos en los que el ritmo frenético de imágenes y sonidos deja poco espacio para recrearnos en lo que nos rodea, Unai nos propone una forma de regreso —Nostos— a la naturaleza, en actitud de reflexión.
La exposición consta de una selección de 110 heliograbados que San Martín ha ido creando en su recorrido personal en las últimas tres décadas. Incluye también algunos de los libros de artista, de edición limitada impresa manualmente.
Unai San Martín comenzó su trayectoria artística como pintor, y se apartó de la pintura después de su paso por el Morley College (Londres), en 1989 y el Pratt Institute (Nueva York), donde estudió y desarrolló su visión creativa a través del heliograbado, que fusiona el arte de la fotografía y el del grabado. Desde 1998 vive en San Francisco.
Su obra ha sido presentada por galerías nacionales como Altxerri o La Caja Negra, pero ha sido expuesta principalmente en Estados Unidos y Perú. En 2017 tuvo sus últimas exposiciones individuales en San Anselmo (California, Estados Unidos) y en Guangxi (China). Es un placer para Kutxa Fundazioa poder presentar esta magnífica exposición retrospectiva de Unai San Martín, donde se muestran algunos trabajos aquí desconocidos.
RUTH ORKIN. Anthology Comisaria: Anne Morin Del 8 de julio al 6 de noviembre de 2022
Una exposición dedicada a la fotoperiodista y cineasta norteamericana Ruth Orkin (1921-1985), que constituye un testimonio más de la lucha de las mujeres por encontrar un hueco profesional en el mundo de la fotografía desde los años 40-50. Instalada en Nueva York en 1943, trabaja como fotógrafa de nightclub y toma parte en la Photo League, una cooperativa que reivindicaba el reportaje fotográfico como medio de denuncia social, en la que ya participaban otras fotógrafas, como Berenice Abbott.
Trabaja desde entonces para grandes revistas como Life, Look o Ladies Home Journal. Tras un viaje a Italia realiza un revelador reportaje sobre las mujeres que viajan solas tras la Segunda Guerra Mundial (Don’t Be Affraid to Travel Alone). Y son especialmente conocidos sus dos libros de fotografías: A World Through My Window y More Pictures From My Window, que recogen las imágenes realizadas desde su apartamento junto a Central Park, y que constituyen un excelente documento sobre la historia de la ciudad.
La exhibición aporta una nueva mirada sobre su obra: la de la temporalidad de la imagen fotográfica. Orkin demuestra su interés por ser cineasta creando películas que se encuentran entre la ficción y el documental — como en la película The Little Fugitive, realizada junto a su pareja, Morris Engel, que recibe una nominación para un Oscar en 1953, y presentada en esta exposición—, al tiempo que incluirá el esquema cinematográfico en sus imágenes fotográficas. Orkin echa mano de distintos recursos formales para simular el tiempo y el movimiento en sus imágenes fijas: desdoblamiento, simultaneidad, repeticiones, etc.; e inventa cortas secuencias fílmicas a partir de una, dos o tres imágenes. Es esta una ocasión única de acercarse a su producción y su historia.
La textura de las promesas Comisario: Alejandro Castellote Del 25 de noviembre de 2022 a febrero de 2023
El título de la exposición alude a esa promesa de transparencia del significado que asociamos a las fotografías, y que esperamos descubrir en la primera capa visible de la imagen. Aspiramos a reconocer en su superficie los ecos de la realidad y confiamos en la eficacia de la fotografía para permitirnos identificar el sentido de lo representado.
Pero no siempre es posible. Ese proceso se complica cuando los signos que contienen las fotografías refieren a culturas ajenas, como las asiáticas, y no confirman los estereotipos que tenemos sobre ellas.
Esta exposición colectiva reúne grandes nombres de la fotografía en Asia, como Bohnchang Koo o Gao Bo, con jóvenes artistas que provienen de China, Japón, Singapur, India y Corea del Sur. Todos ellos exhiben modos diferentes de representar la realidad, que a menudo erosionan voluntariamente la legibilidad de sus obras, bien
mediante vagas referencias a la pintura tradicional de su país, bien cuestionando los estereotipos orientalistas que proyectamos desde occidente; o prescindiendo de los parámetros de la representación renacentista (perspectiva, narratividad o hiperrealismo). Proponen, así, lecturas complejas de lo representado, que animan al
espectador a buscar algo más en los estratos interiores de la imagen, los menos explícitos, o reflexionando críticamente sobre nuestra relación con la naturaleza y sobre los paradigmas de belleza que promueven las redes sociales. En definitiva, promueven la ambigüedad para activar nuestra imaginación.
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